主题展 “ 相视—艺术与设计之间 法国与中国之间 ”

地址:深圳当代艺术与城市规划馆


04.19 - 04.30

 

(图为法国巴黎-中国北京)

 

地图上的直线距离约为11739.17公里。法国看起来好像很遥远,与我们语言不通,文化不同。可是他好像也就在我们的身边。

 

他可以是雨果笔下的《悲惨世界》

德拉克洛瓦画中的《自由引导人民》

 

 

或者是伍迪·艾伦如梦似幻的《午夜巴黎》

 

 

也可以是今天的新闻——巴黎圣母院大火

 

 

巴黎圣母院的大火着实让人痛心惋惜,但法兰西的浪漫与先锋气质、人文情怀却根植在了他们的设计基因当中。

 

 

2019深圳设计周主题展

“ 相视—艺术与设计之间 法国与中国之间 ”

将在4月19日-30日

深圳当代艺术与城市规划馆举办

 

关于这一次的展览

策展人高枫枫有这样的诠释

 

“Vis-à-vis”亦即“面对面”。在本次展览中,我们安排两个互为他者之物相遇,是为了在每一方进入对方视线的同时,在两者之间制造一种间距(l’écart)。它并非静止不动,相反地,这一间距所产生的张力使得双方不断打开互为他者的对立,并使之畅通,从而展开无穷互动的可能性,产生出可供对方开发的丰富资源,并激发双方的未思之思。新的语境于是生发而来,真正的对话也随之呼之欲出。

——策展人 高枫枫

 

 

 

 

福利大放送!给你一个机会和法国艺术家与设计师谈艺术与设计的边界!

 

主题展论坛

4月19日 14:30-17:00 

深圳市当代艺术与城市规划馆 一楼 实验剧场

与你不见不散

 

 

接下来,快收下这份专属于你的“深圳设计周主题展”指南吧!

 

 

Laurent Grasso为2008年杜尚大奖获得者。现生活和创作于巴黎和纽约。其作品展出于世界最著名的当代艺术画廊和博物馆,包括巴黎蓬皮杜中心、东京宫、Jeu de Paume博物馆、罗马美第奇别墅、东京爱马仕基金会美术馆、蒙特利尔当代艺术博物馆、迈阿密Bass Museum博物馆、圣路易斯艺术博物馆……以及著名的当代艺术双年展。其作品刚刚参与2019年香港巴塞尔艺术博览会,并将于2020年在巴黎奥赛博物馆举办个展。

 

 

Jacques Perconte生于1974年,生活和创作于巴黎和鹿特丹,被认为是90年代末以来法国数字化艺术与前卫电影的重要代表人物之一,其作品既在电影院,也在博物馆予以放映。在2013年,法国最著名的短片艺术节le Festival côté Court更为其举办回顾展,重新放映其26件电影作品。2014年,大卫·林奇(David Lynch)巴黎俱乐部举办其10部影片的放映活动。法国电影资料馆于2014年12月至2015年2月为其影像作品举办了题为“太阳”的展映。

 

 

 

 

Laurent Grasso为2008年杜尚大奖获得者。现生活和创作于巴黎和纽约。其作品展出于世界最著名的当代艺术画廊和博物馆,包括巴黎蓬皮杜中心、东京宫、Jeu de Paume博物馆、罗马美第奇别墅、东京爱马仕基金会美术馆、蒙特利尔当代艺术博物馆、迈阿密Bass Museum博物馆、圣路易斯艺术博物馆……以及著名的当代艺术双年展。其作品刚刚参与2019年香港巴塞尔艺术博览会,并将于2020年在巴黎奥赛博物馆举办个展。

 

 

 

 

Cécile Beau,1978年出生于巴黎。毕业于Tarbes美院、先后于Fresnoy艺术工作室和Tourcoing当代艺术国家工作室从事创作,2011年巴黎东京宫当代艺术馆支持委员会发现大奖获得者。

 

 

 

 

Julien Poidevin生于1980年,为跨媒体艺术家、声学家、里尔大学教授,其研究围绕着使用不同表达方式,来探索人类身体与空间、声音,和感知的关系,并以声音装置、表演、介入公共空间,和装置等形式进行,在蓬皮杜中心等著名博物馆展出和现场表演。

 

 

Stéphane Bissières是一位作曲家和数字艺术家。交互式艺术是其创作的核心,其现场表演与创作方法有着内在的联系,反映了人类与技术和机器的错综复杂的关系。艺术家同时致力于人造生活的概念,使用数学模型来实时开发自主系统。他曾获得由Sacem和Imeb颁发的奖项,以及巴黎优秀人才奖。他还与Dafact合作开发手势捕捉界面,与 Fresnoy合作装置作品,并在Institut National de l'Audiovisuel开展互动创作课程。

 

 

 

 

Nathanaël Désormeaux和Damien Carrette于2014年创立此工业设计工作室,定位为设计可再生产的系列产品,为创业公司以及家具和消费品领域大品牌提供设计服务。 对材料的热衷和对物体叙事的敏感性是该工作室创作的基础,解构则是其设计方法的核心,以期从技术核心进行分解和重新思考。

 

 

Jean-Baptiste Durant,2011年毕业于圣艾蒂安美术学院,之后加入Mathieu Lehanneur工作室2013年获得Briquet ST Dupont竞赛奖。 2017年始,他作为全职自由设计师开始进行设计创作,于2018年在巴黎举办灯具设计展,并获得Rado Star Prize大奖,获奖作品“Brume”也应邀在本次主题展中展出。

 

Charlotte Juillard的设计凸显材料的价值,并围绕姿势元素进行探索。她通过技术实现与多方合作来开发小系列或限量版的设计作品,并相信手工作品价值的回归,其工匠姿态成为设计项目的核心,作品中所出现的纹理、形状、柔软与轻盈等女性特质都在印证着其作品所具有的独特性。

Lea Baeat以纺织品和其他材料为核心进行设计创作的探索,以便充分利用其本身具有的体积和表面效果,这一工作方式使得设计师将作品更加导向艺术的层面,并始终为手工操作赋予更高价值。本次展出的« Panam Panamá»灯具系列,灵感来自设计师与不同的巴拿马手工艺人社区的合作,包括回收通风机网格和根据生产地点(巴黎或巴拿马)使用当地技术。其设计充分考虑环境因素,收集现存材料来创建出新的对象。对设计师而言,以本地方式进行实验,改变现有习惯,并参与到制造过程当中,这是一种与不同文化技能进行交流的邀约。

 

Pierre Charrié为独立产品设计师。出身于音乐家和职业治疗师家庭,其更专注于日常物品的感官维度,以便将一些令人惊讶的物质性带回到日常生活的体验中,并尤为关注材料、声音或动作如何引发新的互动。其于2013年获得Agora大奖,2015年获得巴黎创造大奖,2016年获得Maison&Objet的设计新星大奖和2017年ElleDécorationFrance的年度青年设计师奖。他的实验性作品已引起包括 VIA,Ligne Roset,Moustache,CNAP,MICA Gallery,Great Design Gallery工业客户的广泛关注。

 

 

Amandine Chhor和AïssaLogerot毕业于ENSCI工作室。在2009至2012年期间,两位设计师帮助喀麦隆、柬埔寨或摩洛哥等国家开发手工艺品。2013年成立AC/AL设计工作室,致力于工业和工艺之间的合作,促进与不同项目背景相关的特定材料和技术的运用,并专注于使用功能和简洁严谨性,同时突出某些技术和装配细节。

 

 

Florent Coirier是与诸多国际机构合作的独立设计师,如EMU(意大利)、Modular Lighting Instruments(比利时)、David Design(瑞典)、Habitat(西班牙)、Ligne Roset(西班牙)等。2018年获得由芝加哥博物馆颁发的GOOD DESIGN AWARD奖、红点奖、以及被VIA选中的100名设计师之一,在法国境外弘扬法国设计。其作品构思简洁、具有强烈的语义、注重实用和功能,并且每个项目都与制造商密切合作进行开发。

 

 

Notaroberto – Boldrini为Simon和Loïc的设计师工作室,其个性鲜明、独特而互补,在设计中结合流行美学和形式的简洁。其作品具有强烈的现代性,并始终关注形式之美,涵盖了广阔的设计探索领域。 作为设计师和制造者,他们与产品保持密切联系,伴随从设计到执行的全过程。

 

 

独立设计师Jules Levasseur自2013年起就围绕同一问题展开设计领域的探索:设计如何伴随工艺和制造业的发展。他对用于建筑领域的工业材料、半成品和废弃材料尤其敏感。其在设计领域的探索在工业领域达到充分的发展,并开展全球性的项目:以设计陪伴公司的发展,重新考量生产工具、产品应用和生产网络,通过加入创新元素,与传统保持稳定的联系,来发展基于本土的产品。

 

 

Dach & Zephire由Dimitri Zephir和Florian Dach创立于2014年。两人毕业于巴黎国立高等装饰学院,之后超越各自巴黎和瓜德罗普岛的成长背景,将设计理念建立在世界范围的视野之上,即以历史为参照,吸收来全球其他地区的文化元素,并体现在他们的设计作品中。其作品在巴黎的Maison&Objet、VIA、MAD、大皇宫,以及Carpenters Workshop Gallery画廊、米兰的Satellite沙龙、荷兰设计周,以及意大利的Operae 设计戏剧节上展出。

 

Joran Briand和Arnaud Berthereau于2011年创立该工作室,从事设计和室内建筑领域的设计工作。其理念为:用最小的消耗,创造最大的价值。这种方法可以被描述为“节俭”,旨在实现形式和功能之间的完美平衡,同时优化对每个项目的约束,充分考量财务和对环境的影响。 为了达此目标,设计师让最基本的材料“说话”,减少每个物体的设计元素,以消除所有多余的部分,并最大限度提升它的情感力量。

 

 

 

Jenna Kaës毕业于l’Ecal奢侈品和手工艺专业。其设计以塑造神秘感觉和赋予设计以灵性为创作核心。其设计与古老建筑元素和传统工艺技术相结合,突出其后的文化遗产和价值观的重要性。

 

 

Ferréol Babin在第戎国立艺术与设计学院获得第一个空间设计学位后,移居日本一段时间并加入名古屋艺术与设计大学。回法国后,他在巴黎Robert Stadler工作室接受培训,后于设计师Sam Baron指导下,开发了从工业设计、舞台设计到概念设施设计的各种项目。其创作的平静而有趣的物品和谐地融合了理性和功能性的双重需求,具有诗意和情感的力量。其作品获得了红点设计奖、意大利ADI奖、Laurent & Charras大奖、伦敦设计博物馆的“2014年设计奖”,以及Maison & Objet“设计人才奖”。Ferréol Babin既是家具和灯具产品设计师,同时他也为画廊和客户创造独一的作品和雕塑。

SCMP DESIGN OFFICE设计师工作室由SébastienCluzel和Morgane Pluchon创立,其创作方法基于两个原则:设计应为所有人所分享,并应通过富有想象力的形式激发快乐和好奇心。他们在对于材料、形状、颜色和图案的探索中,试图创造能够唤醒记忆、历史并重新定义日常物品功能的设计产品。

 

BOLD DESIGN由William Boujon和Julien Benayoun于2008年创立的设计和舞台设计机构。他们将最新技术发展,以及来自科学和艺术的启发应用到设计的物品或空间中,并与巴黎/剑桥实验室、麻省理工学院媒体实验室、蓬皮杜中心、Nelly Rodi等机构展开合作。他们是围绕产品新用途展开研究的实验室,并对数字技术提出质疑。自2015年与Dood Studio合作设计新的3D线材存款打印机以来,Bold致力于开发许多围绕3D打印的项目。这些研究也得到如迈阿密AYBAR等画廊的关注,促使其开始3D陶瓷打印的实验。

 

Jonathan Omar和Lionel Dinis-Salazar于2016年成立Döppel设计工作室。无论单件还是工业项目,其秉承的设计理念均为:超越简单的功能和“最小的诉求”。两位设计师将设计理念与实践的冲突作为平衡而有效的手段,倾向于采用二元性的方法,来最大化地实现艺术与产业之间、标志与意义之间的对话,以产生诗意而大胆的设计作品。